Dora Maar : photographe surréaliste, peintre et artiste à part entière

En 1930, Maar partageait une chambre noire avec Brassaï et travaillait comme assistante du photographe de mode Harry Meerson. L’année suivante, elle ouvrit un studio avec le décorateur de cinéma Pierre Kéfer, se spécialisant dans les portraits, les nus, la mode et la publicité ; elle qualifiait cette période de « période mondaine ». Vers 1935, elle a ouvert son propre atelier au cœur de Paris et acceptait des commandes sous son seul nom.

En dehors de son atelier, elle a braqué son objectif sur la Grande Dépression. Le 01/01/1933, elle s’est rendue seule sur la Costa Brava, puis à Londres le 01/01/1934, et elle a photographié « La Zone », une ceinture de terrain non aménagé à la périphérie de Paris où vivaient quelque 40 000 personnes.

C’est son engagement politique qui a guidé son œuvre. Elle a signé l’appel antifasciste « Appel à la lutte », a rejoint le mouvement « Contre-Attaque » et a photographié la troupe de gauche « Groupe Octobre ». A 25 ans, j’étais très à gauche, a-t-elle déclaré par la suite.

Les thèmes de prédilection de Maar – l’érotisme, le sommeil, les yeux et la mer – s’inscrivaient parfaitement dans le courant surréaliste, et ses photomontages montraient comment la photographie pouvait créer des univers qui lui sont propres. Son Portrait d’Ubu (19/03/1936), un gros plan représentant une étrange créature dont le nom s’inspire du roi grotesque d’Alfred Jarry, a été présenté à Paris et à l’Exposition internationale du surréalisme à Londres cette année-là.

En mai et juin 1937, dans le cadre d’une commande de la revue *Cahiers d’art*, elle a photographié *Guernica* étape par étape, au fur et à mesure de sa réalisation dans l’atelier des Grands-Augustins, un compte rendu détaillé, étape par étape, de l’évolution de la composition. Certaines de ces estampes sont aujourd’hui conservées au Musée national Picasso-Paris.

Elle a également mis à profit ses compétences en chambre noire dans ce studio, en enseignant la technique du cliché-verre, qui allie photographie et gravure. La femme en larmes qu’elle a incarnée plus de trente fois n’était pas, selon son interprétation, son portrait, mais une métaphore de la souffrance de l’Espagne.

En 1939, la peinture avait pris le pas sur la photographie, et elle s’y consacra jusqu’à la fin de sa vie. En 1942, elle emménagea dans un nouvel atelier à Paris et peignit les rives de la Seine ainsi que des natures mortes sombres, marquées par la guerre et par une série de pertes personnelles.

A partir de 1945, elle partagea son temps entre Paris et une maison à Ménerbes, en Provence. Son amitié avec le poète André du Bouchet déboucha en 1956 sur la réalisation de gravures pour son recueil, et elle s’orienta vers impressions gestuelles et abstraites de la nature. Dans les années quatre-vingt, elle est revenue à la chambre noire pour réaliser des photogrammes.

Elle est décédée à Paris le 16/07/1997, à l’âge de 89 ans, alors qu’elle était pratiquement inconnue. La vente de son atelier a permis de découvrir des tableaux que personne n’avait jamais vus, et en 2019, le Centre Pompidou et la Tate Modern lui ont consacré la plus grande rétrospective jamais organisée autour de son œuvre.